Practicando Digiscoping: LA COMPOSICION DE LA FOTO

Arte y Fotografía



1. Posibilidades de modificación de la imagen.
2. La composición fotográfica.
3. El centro de interés.
4. El ángulo de toma.
5. La forma y el volumen.
6. El tono y el contraste.
7. La textura.



1.- POSIBILIDADES DE CONTROL SOBRE LA IMAGEN
Si consideramos la fotografía como algo más que una técnica, podemos mejorar la calidad y fuerza de la imagen cuidando también su aspecto artístico.
En fotografía la composición tiene muchas más limitaciones que en otros medios artísticos, pues en ella el motivo condiciona en mayor grado el resultado que en pintura, en donde se parte de cero (lienzo en blanco).
Los principales medios con que cuenta el fotógrafo para interpretar un tema se reducen a:

• Encuadre y selección de las partes de la escena.
• Enfoque total o selectivo.
• Elección del ángulo de la toma y perspectiva.
Y, en ciertas ocasiones, además:
• Colocación de los elementos de la imagen.
• Elección del tipo, número y dirección de las fuentes luminosas.
Aunque algunas fotografías tomadas al azar resulten con una composición impecable, lo normal es que una buena composición haya tenido un periodo inicial de meditación y análisis.
De los seis factores que veremos a continuación (composición, centro de interés, ángulo de toma, forma y volumen, tono y contraste, y textura), los tres primeros hacen referencia a la distribución y en cuadre de los elementos de la escena, y los tres últimos al objetos propiamente dichos. Muchas de estas normas son comunes al dibujo y la pintura.

2.- LA COMPOSICIÓN :

Aunque las reglas que vamos a ver no son principios matemáticos, si las empleamos notaremos como la imagen obtenida provoca cuando la observamos sensaciones de mayor intensidad.

A. COMPOSICIÓN SIMÉTRICA: Muchos de los temas que se fotografían habitualmente tienen uno o varios planos de simetría. Personas, animales, objetos, incluso la línea del horizonte pueden actuar en tal sentido.
La imagen resulta agradable si los motivos situados a ambos lados del eje de simetría tienen el mismo "peso visual”.
La composición simétrica es sencilla, solemne y formal; pero fría y demasiado mecánica.
B. COMPOSICIÓN ASIMÉTRICA: son numerosas las variantes que pueden incluirse en este apartado. Se las conoce con el nombre de las formas de letras o figuras que adoptan. Las más utilizadas son la triangular y las realizadas en forma de S, L, o C., que parece ser que son las que más a gusto recorre nuestra vista.

C. COMPOSICIÓN CON LINEAS: las líneas pueden estar presentes en la imagen o existir implícitamente uniendo sus elementos constituyentes.
En una composición, las líneas pueden actuar: haciendo penetrar nuestra visión en la fotografía, guiando nuestra mirada por la imagen hasta el centro de interés, o haciendo salir nuestra mirada de la foto lo más suavemente posible.

D. REGLA DE LOS TERCIOS: es la norma más clásica en la composición, tanto en pintura como en fotografía.
Se basa en dividir el formato rectangular en tres bandas iguales, tanto vertical como horizontalmente. Existen variantes más complejas basadas en la utilización de la sección áurea clásica, pero sus resultados son similares.
Las dos líneas verticales u horizontales, con que imaginariamente dividimos el encuadre, determinan la posición principal de los elementos alargados (horizonte, edificios, etc.) y en los cuatro puntos de intersección de estas líneas se sitúan los puntos de interés de la imagen.
No es necesario ocupar todas las lineas ni los puntos, sino situar sobre cualquiera de ellos el elemento principal.
De esta regla se desprende la conocida norma en fotografía de paisajes, de no situar nunca el horizonte en el centro del fotograma.

E. EL EQUILIBRIO: Una fotografía resulta tanto más agradable, cuanto más equilibrada sea la situación de los elementos que la componen.
La distribución de los elementos ha de hacerse posicionando los objetos según su "peso visual", conforme los colocaríamos en una balanza cuyo centro coincidiese con el del fotograma. Según esto, los elementos de mayor masa visual se colocarán más al centro, y los más ligeros hacia los márgenes.
El concepto de "peso visual" se toma en un sentido de mancha o masa, y también como el del volumen y el peso que intuitivamente asociamos a cada elemento.
El equilibrio también se extiende a las composiciones verticales, por ello inconscientemente, la foto nos resulta más natural si situamos los objetos más pesados más abajo que los ligeros.
Recurriendo al símil de la balanza, si buscamos una composición simétrica y equilibrada habrá que imaginar la escena como una balanza de dos platillos y distribuir los elementos en consecuencia. Si perseguimos un equilibrio asimétrico los distribuiremos imaginando una balanza romana.
En fotografía en color, la noción de equilibrio, se extiende también a la intensidad y al contraste de los colores.
Una imagen mal equilibrada es rechazada mentalmente por cualquier observador, con lo que el resto de su mensaje puede ser totalmente inútil.

F. EL RITMO: El ritmo es el resultado de la repetición de líneas, formas, volúmenes, tonos y colores. La repetición de un motivo aumenta la armonía de una escena. El ritmo permite además unir los diferentes elementos de la escena para conferirles unidad y fluidez.
Las composiciones con ritmo excesivamente rígido, como las olas, cartones de huevos, campos de dunas, terrenos de cultivo, etc., conviene romperlas con algún pequeño objeto discordante que atenúe su rigidez y proporcione un centro de interés.

3.- EL CENTRO DE INTERÉS
Antes de realizar una fotografía deberíamos preguntarnos que es lo que pretendemos captar en ella. En cualquier motivo siempre existe un elemento que atrae más intensamente nuestra atención y que constituye el centro de interés, entorno a él, ha de basarse todo intento de composición.
En las composiciones complicadas, el centro de interés puede estar en las formas básicas del conjunto, y cualquier motivo que coincida con las intersecciones de la regla de los tercios, llamará poderosamente la atención.
Para establecer el encuadre en función del centro de interés hemos de tener en cuanta las siguientes normas:

1. Cuando en una escena hay dos o tres motivos con la misma fuerza que el principal, se establece un competencia entre ellos que genera confusión en el observador y perjudica la fotografía.
2. La situación, y el tratamiento que demos al centro de interés es, posiblemente, lo más decisivo en la composición fotográfica.
3. Por lo general, lo más sencillo y efectivo para resaltar su importancia es situarlo en el fotograma conforme a la conocida regla de los tercios.
4. Si una persona o animal se fotografía de perfil, se debe dejar siempre más espacio por delante de su cara que por detrás.
5. De igual forma, al fotografiar objetos móviles, es muy importante captar los entrando en la foto y nunca saliendo.
6. El fondo tiene una importancia decisiva a la hora de valorar el punto de interés, y por lo general, nunca debe competir con el motivo principal. Para ello podemos recurrir a un fondo de tonalidad opuesta para resaltar el objeto principal ( objetos claros sobre fondos oscuros y viceversa) o, si está en otro plano, podemos simplemente desenfocarlo abriendo para ello el diafragma.

4.- EL ÁNGULO DE TOMA
Lo normal es fotografiar colocado frente al motivo, de pie, con la cámara a nivel de los ojos y con el plano focal perpendicular al suelo. El tema se puede captar así sin distorsiones y de forma clara y descriptiva, pero se obtienen imágenes estandarizadas y poco originales.
Una de las formas de conseguir encuadres originales de temas vulgares, consiste en saltarnos esta norma a la torera y cambiar el punto de vista.
Cuando optamos por un punto de vista elevado (vista de pájaro), podemos excluir la línea del horizonte y utilizar el suelo como fondo. Esto proporciona imágenes muy originales pero, por lo general, el sujeto principal queda poco destacado sobre el fondo y, si se fotografían personas, saldrán con la cabeza enorme y distorsionada.
Si fotografiamos a nivel del suelo y hacia arriba (vista de hormiga), el horizonte e incluso el suelo pueden no aparecer en la foto. El sujeto, principal resalta mucho más que en el caso anterior, pero pueden aparecer luces parásitas si se utiliza iluminación cenital.
En retrato destaca demasiado la mandíbula y los agujeros de la nariz, por lo que está totalmente desaconsejado.
Todos los defectos y deformaciones producidas la variar el ángulo de la toma, pueden exagerarse intencionadamente utilizando objetivos de corta distancia focal (granangulares).
También pueden amortiguarse las distorsiones e incluso suprimirse, empleando cámaras de gran formato y efectuando descentramientos del objetivo o del respaldo.

5.- LA FORMA Y EL VOLUMEN
Muchas veces la forma es el aspecto más importante de una fotografía. Nos basta con la silueta o el perfil de un objeto para reconocerlo.
La cámara, a diferencia de nuestra vista, ve en un sólo plano, por lo que si queremos destacar la forma de un objeto habrá que conseguir que llame fuertemente la atención.
El perfil de un rostro curtido, las ramas secas y retorcidas de un árbol contra el cielo, el cuello de un cisne, el radiador de un Càdillac, etc., son formas que atraen poderosamente nuestra atención.
Para conseguir tomas impactantes de objetos con formas atractivas conviene tener en cuenta las siguientes recomendaciones:
1. Abstraer las formas del objeto principal, eliminando al máximo los detalles (por ejemplo realizando un contraluz que destaque únicamente su silueta.
2. Acercarnos al encuadrar, de forma que aislemos la formas de un sólo elemento del motivo.
3. Utilizar un fondo lo más uniforme posible y que no distraiga la atención.
4. Buscar el máximo contraste de tono entre la forma principal y el fondo.
5. Utilizar al máximo las normas de composición, ritmo y equilibrio para destacar la forma.
Si observamos fotografías de objetos corrientes en sus perspectivas habituales, nos resulta fácil deducir el volumen que tienen, pero si el ángulo de toma es rebuscado, o los objetos son poco corrientes, nos resulta muy difícil captarlo. A veces se puede solucionar esto introduciendo objetos conocidos que actúen como referencia de tamaño.
Un método excelente para resaltar las formas consiste en utilizar algún elemento de la imagen para enmarcar el motivo. Si aprovechamos el arco de entrada a algún monumento para enmarcar el sujeto principal, tanto si disparamos de dentro a fuera, como al revés, el tema principal quedará rodeado con un tono opuesto que realza la fuerza del motivo. Cuando este marco es negro la expresividad es mayor pues nos causa la sensación de estar inmersos en la escena.
En cualquier caso, para que un objeto tridimensional captado en una copia bidimensional, tenga corporeidad y ofrezca sensación de volumen, además de su forma habrá que captar también su sombreado (tono) y los detalles de su superficie (textura).

6.- TONO Y CONTRASTE
Se entiende por TONO a la brillantez visual de una zona de una imagen que puede distinguirse de otras partes más claras o más oscuras.
El blanco, el negro y toda la gama de grises constituyen su GAMA TONAL.
Cada tono está íntimamente relacionado con el color y con la luz.
Un trozo de carbón situado bajo una luz intensa, puede tener un tono más claro que un huevo colocado en una sobra muy oscura.
En muchas ocasiones, la gama de tonos de la escena es superior a la que puede captar la película. Mientras que en un paisaje iluminado por un sol intenso, la relación de luminosidades puede exceder la proporción 1000:1, en una copia perfectamente realizada nunca sobrepasa el rango 60:1.
En el caso de las diapositivas, el intervalo tonal que aceptan es algo mayor pero todavía distan mucho de la gama tonal real.
Este problema se puede resolver haciendo que concuerden los tonos de luces y sombras, tanto en el motivo como en la copia, y comprimiendo la escala tonal intermedia.
Rembrandt ya utilizaba este método en su pintura al dar un gran valor a las luces y a las sombras, en detrimento de los tonos medios.
Se entiende por CONTRASTE a la diferencia de tonos que hay entre las distintas zonas de la imagen. Una imagen resulta visible gracias a su diferencia de contraste respecto a los valores de los tonos que la rodean.

El INTERVALO DE LUMINOSIDADES, equivale al contraste máximo entre las zonas de una fotografía, sean o no contiguas.
Si imaginamos una escala de grises de nueve densidades incluyendo desde el blanco = 9, hasta el negro = 1, una escena que cuente únicamente con los tonos 1y 9 (blancos y negros), tendría el mismo contraste que la que incluye además los grises intermedios. Sin embargo, subjetivamente, el contraste nos parece mayor en el primer caso.
En cualquier caso, fotos con poco contraste, con carencia de tonos intensamente negros o copias sin blancos limpios, producen siempre sensación de bajo contraste.
En ocasiones se busca intencionadamente utilizar sólo la parte alta de la escala (del 9 al 5), estas copias de tonos altos y blancos se denominan HIGH-KEY, y sugieren frescura, inocencia, libertad, etc.
Por el contrario la táctica llamada LOW-KEY , emplea los tonos bajos de la escala (del 1 al 4 ó 5). Este estilo sugiere drama, misterio, obsesión, etc.
Además de la luz y del color de los objetos, influyen también sobre el tono y el contraste:
• La sensibilidad de la película: a menor sensibilidad mayor contraste.
• La calidad del objetivo y su revestimiento: en los objetivos de inferior calidad se producen más reflexiones y distorsiones y una menor absorción que provoca un aumento del velo y disminuye el contraste.
• El revelado del negativo: aparte del más empleado ( la prolongación el tiempo de revelado), hacen también aumentar el contraste: las altas concentraciones de revelador, la temperatura excesiva y la agitación intensa. Estos últimos factores los veremos en el próximo capítulo.

7.- LA TEXTURA
Por textura se entiende la estructura de la capa superficial de un material.
Una foto con una la textura muy resaltada, confiere realismo a la imagen porque estimula nuestro sentido del tacto.
La textura, junto con el tono y la forma, transforman los motivos planos en imágenes con fuerte sensación tridimensional.
Entre todos los factores que pueden resaltar la textura, el más importante es, con mucha diferencia, la iluminación.
La mayor parte de los objetos iluminados con luz dura, intensa y rasante, desvelan una textura imperceptible por cualquier otro método. Esto es fundamental en fotografía forense, arqueológica, numismática, etc.
El dominio de la composición y por tanto del arte fotográfico, aunque puede ser innato en algunos artistas, llega a adquirirse con el tiempo analizando gran número de fotografías de calidad. Si observamos las obras de los grandes maestros, descubriremos que en casi todas existe el empleo de alguna de las normas que hemos visto y la mayoría ha tenido un instante de meditación preliminar.
En fotografía artística la calidad de la composición tiene machismo más valor que la técnica. Cinco minutos destinados a planificar la composición de un sólo tema es preferible a fotografiar cinco temas en un minuto.
Siempre que sea posible, antes de fotografiar un objeto hay que mirarlo desde todos sus ángulos, estudiar las posibilidades de iluminación y meditar bien la composición, encuadre, etc.

Observemos los ejemplos que mis compañeros han desarrollado para vosotros.



Diapositiva 1

COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA

Podríamos definir la composición como la organización de formas u objetos dentro del límite visual que nos ofrece la pantalla o el visor de nuestra cámara fotográfica intentando siempre captar un conjunto equilibrado y estético.

Existen una serie de reglas o normas que no es que haya que cumplir a rajatabla, pero sí que nos ayudaran a encontrar esa armonía y equilibrio en la composición. La fotografía es muy subjetiva y a la vez creativa, se puede comparar con la pintura siendo también la fotografía un arte, pero, al igual que la pintura, el fin tiene que ser comunicar algo a través de una foto o de un lienzo.





Composición improvisada:

Hablando de una forma general, el digiscoper se decide por esta afición para intentar fotografiar lo más cercano posible animales y sobre todo aves, por lo tanto son objetos móviles y la composición fotográfica en muchos casos tiene que ser improvisada, se da estos casos de improvisación cuando hacemos digiscoping a pié o en hide-car, nos estamos moviendo e intentamos hacer fotos a animales que nos encontramos e intentamos componer una foto lo mejor posible con lo que hay, ya sean ramas, posaderos, suelo, agua, etc., casi no pudiendo elegir fondos adecuados, luz, ángulos de encuadre, etc.,

Aquí tenéis varios ejemplos de composición improvisada:











Composición estudiada:


Sin embargo, si estamos en un sitio fijo ya estudiado, pudiendo ser un hide, una red de camuflaje, un observatorio, desde la ventana de casa o simplemente parados debajo de un árbol, sí podemos hacer una composición estudiada, donde ya conocemos posaderos, luz, fondo y ángulos de encuadre, es decir casi tenemos memorizada la foto.
Lo interesante es que nosotros mismos podemos hacer nuestros propios decorados: aportando posaderos con líquenes, musgo, flores, frutas silvestres, cortezas de árbol, ramas bonitas,…

Aquí tenéis varios ejemplos de composición estudiada:










De todas formas, cualquier manera de hacer digiscoping es divertida y amena.

Limitaciones:

La composición en digiscoping está muy limitada, ya que por ejemplo, con la fotografía convencional, si estamos fotografiando a una persona, un monumento, una flor, etc., podemos movernos y buscar el mejor ángulo de encuadre, o podemos mover el objeto y despejarlo de cosas que nos molesten, en digiscoping sólo puedes mover un poco el telescopio hacia arriba, abajo, derecha e izquierda, ya que estamos estáticos, el trípode posado en el suelo y bien nivelado, y si nos movemos, lo más seguro es que no podamos hacer ninguna foto porque el ave saldrá volando.


Encuadrar


Al encuadrar deberemos buscar en el sujeto principal que en nuestro caso son las aves (o animales) el lado que nos interesa tomar, hay gente que le gusta fotografiar al animal en movimiento, o con alguna postura inusual, a mí personalmente, en el 95% de los casos, me gusta fotografiar aves estáticas de perfil (tipo guía de aves, es la mejor forma de captar casi todo su plumaje), en muy pocos casos de espaldas (siempre que el ave mire para atrás) y poquísimos casos de frente. También deberemos tener en cuenta la luz que incide en el animal y sobre todo cuidado con los plumajes blancos. Deberemos tener en cuenta los fondos, que estén lo más limpios posibles, sin que haya ningún objeto que distraiga la atención sobre el sujeto principal.

Ejemplos:








Reglas de oro de la composición

Son cuatro reglas o leyes que conocen todos los fotógrafos, y que también se utilizan en digiscoping, nos pueden ayudar a conseguir una buena composición y en consecuencia una buena foto.

Si las aplicamos correctamente obtendremos fotos de gran impacto visual.

Pero las reglas también nos las podemos saltar, sobre todo si queremos conseguir otros efectos, no olvidemos que esto es arte.

Las reglas son:
• Regla del Horizonte
• Regla de la Mirada
• Regla de los Tercios
• Regla del Movimiento


Diapositiva 7

Regla del Horizonte
Entre las normas o reglas que citábamos al principio, está la Regla de la Horizontalidad, se aplica para romper las simetrías y hacer más atractiva la fotografía.

Consiste en dividir el recuadro fotográfico con tres líneas horizontales de igual anchura, obtendremos tres partes horizontales iguales (tanto si trabajamos en horizontal como en vertical), encuadraríamos al pájaro o animal que es nuestro motivo principal en dos de ellas y el motivo secundario en la tercera parte, esta zona secundaria se puede reducir a un pequeño borde si el motivo principal es muy destacado, como por ejemplo un primer plano.

Formato vertical

Por lo tanto debemos colocar al ave en los dos tercios de abajo si nos interesa sacar el cielo por ejemplo o en los dos tercios de arriba si queremos sacar el posadero.

Formato horizontal

Podemos poner dos fotos que cumplan la regla de horizontalidad y otras dos no, para que vean la diferencia.



FOTOS






Regla de la Mirada

Otra regla es la Regla de la Mirada, donde se deja más espacio libre frontalmente, es decir, hacia donde mira el ave, que lo que ocupa su parte trasera, en fotografía se dice dejar más “aire”.

Poner dos fotos que cumplan la norma y otras dos que no, que se vea bien la gran diferencia:

El aire esta hacia abajo:

El aire va hacia arriba:

El aire va hacia la izquierda:

El aire va hacia la derecha:

No tiene aire suficiente a la izquierda: Encajonada

El aire lo tiene al lado contrario de su mirada:

Regla de los Tercios Y otra más es la Regla de los Tres Tercios.

Consiste en trazar dos líneas imaginarias horizontales que dividan el ancho de la foto en tres partes iguales y trazar dos verticales que la dividan también en tres partes iguales, quedando dividido el recuadro en tres tercios o nueve rectángulos iguales, siendo los cuatro puntos donde se cruzan las cuatro líneas el sitio donde deberíamos colocar el motivo que queremos resaltar de la composición. Hay que evitar CENTRAR al sujeto principal en el encuadre.





Formato horizontal







Formato vertical
























Por lo tanto debemos colocar al ave, que es nuestro motivo principal, en uno de los cuatro puntos amarillos
Poner dos fotos que cumplan la norma y otras dos que no, que se vea bien la gran diferencia:





Regla del Movimiento

La aplicaremos, sobre todo, en fotos de aves en vuelo, hay que capturar al ave cuando entra completamente en cuadro y no cuando entra o sale.

Si han entrado en el cuadro:

No ha entrado en el cuadro:

PROFUNDIDAD DE CAMPO


La profundidad de campo es la distancia que abarca el objetivo de una cámara, teniendo más profundidad de campo cuanto más alejado esté el sujeto principal y menor cuanto más cerca esté.

También aumenta en relación inversa a la apertura del diafragma, es decir, cuanto más cerrado esté el diafragma, más profundidad de campo habrá.

Con objetivos angulares la profundidad de campo aumenta, pero si se utilizan teleobjetivos se reduce ésta y por supuesto si se utilizan telescopios (digiscoping), también habrá menor profundidad de campo.

Personalmente no lo considero un problema ya que tan bonita es una foto con profundidad de campo como un primer plano que no tenga profundidad de campo y esté todo el fondo desenfocado, aunque este problema se agrava, por ejemplo cuando en el encuadre hay dos individuos y uno está más cerca que el otro, uno nos saldrá bien enfocado pero el otro perderá foco, en digiscoping es inevitable.

En algunas fotos, donde sólo hay un individuo, podemos ver por ejemplo que el pico y la cabeza están bien enfocados pero las alas no, han perdido foco.






Este artículo esta confeccionado íntegramente por Alfonso Abella (Gallows Polle). En breve le pondré las fotos. ¡ Si me las envía alguna vez ¡

UNA RECOMENDACION

Toda vez que compremos el equipo original, telescopio. ocular, adaptador, y cámara, incluyendo la pletina, trípode. etc.
Debemos siempre probar nuestro equipo.
Y ello lo haremos de la siguiente forma:


1.- Escogeremos varios objetos inmóviles de diferentes tamaños.

2.- Los tamaños que sean similares a las aves que fotografiaremos en un futuro, podemos elegir ejemplos en todo nuestro entorno.

3.- Estos objetos los pondremos (a la hora de elegirlos ¡claro! ) a diferentes distancias.

Con esto conseguiremos adaptarnos a las distancias de disparo efectivo (Nitidez e identificación) de las aves que luego pretendemos fotografiar, según su tamaño.
Evidentemente no es lo mismo fotografiar a 20 metros a una espátula que a un jilguero.

Además veremos donde se puede producir al utilizar el zoom (en las cámaras compactas) , el temido viñeteo.

Tambien nos ayudará a ver los posibles movimientos de nuestro equipo en el disparo , que deberemos corregir. Tanto del equipo en si mismo como de nuestro cuerpo al ejercer la acción.

En definitiva, sabremos donde está el límite efectivo de nuestro equipo.

En un proceso posterior , usemos la luz, en diferentes intensidades, escogiendo estos objetivos inmóviles , con colores blancos y negros.
Busquemos situaciones a las diferentes distancias, con Luz intensa, Difusa, directa, indirecta, etc... (Ver artículo sobre la Luz).
Y probemos diferentes combinaciones de nuestra cámara, hasta dar con la foto ideal en contraste, color, y nitidez.

En definitiva, acostumbraremos nuestros ojos y a nuestra cabeza, a leer la luz para digiscoping (¡ojo ! no es fácil, pero asegura la foto en un 50% ).

*** Nota: Si se produjeran temblores de imagen, por movimiento; revisar el equipo, sus ajustes, anclajes, etc al trípode. O a la pletina, posiblemente no estén bien.


Y lo último, las fotografías en movimiento. Escogeremos en esta ocasión un objeto en movimiento, e intentaremos seguirlo, enfocando manualmente de forma constante el objeto; y evidentemente practicaremos el disparo. No es tanto la calidad que logres, sino la nitidez de la imagen. Y de paso acostumbrarse a enfocar mientras las aves se mueven. Yo recomiendo un coche, una moto.
Eligiendo movimiento lateral, otras en diagonal. y otras veces vertical. Tanto alejándose como acercándose.


Las prácticas de estas cuestiones, nos evitarán en muchas ocasiones, perder una buena toma. Y tirar a la basura muchas fotos; si no una sesión completa.


Un saludo.

Adaptar La cámara Y el Telescopio

Muchos de nosotros nos hemos planteado realizar la técnica de digiscoping. Y la primera cuestión con la que topamos es el adaptar el equipo fotográfico o el equipo de observación del que disponemos. Y es en ese preciso instante cuando nos damos cuenta que nada de lo que tenemos sirve sin adaptarlo correctamente.

Desde un principio cuando se definió la técnica de digiscoping surgió el problema de estabilización y colimación del equipo. Y para ello los mas bricomaniacos sacaron un sinfín de piezas y artilugios para hacer que los equipos que disponían, funcionaran correctamente sacando unas fotografías lo más cercanas a los teleobjetivos de gama alta existentes.

Gracias al auge de la fotografía digital y a que los aficionados de la fotografía de naturaleza se fueron acercando a conocer está técnica llena de la magia de acercar lo que no te deja aproximarte, y la gran demanda de soluciones para ajustar mejor los equipos que con más prestaciones iban surgiendo; hicieron que la casas comerciales de telescopios comenzaran a plantearse el fabricar ellos mismos las piezas de adaptación y estabilización de los equipos usados para digiscoping.

Para ello se recurrió al bricolaje casero. Creando la figura del adaptador que más tarde las casas comerciales han usado para diseñar los suyos propios.


La diferencia entre los adaptadores comerciales y los caseros son las mismas que las de un traje a medida y uno de confección estándar.
En primer lugar a la hora de escoger un adaptador debemos de definir la función que este realizará. En primer lugar tenemos que será la pieza que realizará el difícil trabajo de unir en un todo dos piezas de mucho peso y a esto lo llamamos ADAPTADOR para digiscoping. Y deberemos de tener en cuenta la ley de gravedad, y las fuerzas que se ejercen por peso entre las diferentes partes del equipo, y la pieza que lo soportará evitando roturas o movimientos se llamará PLETINA. Así mismo haremos mención a un adaptador que aunque no es imprescindible, si que nos ayuda a mejorar la nitidez de las fotos y evitará trepidaciones al ejercer la única fuerza que no es inherente al equipo, la de pulsar el botón de disparo de la cámara; a este lo llamaremos ADAPTADOR DE DISPARO.
Luego como podremos observar hay tantas formas de adaptadores como piezas le adosemos al equipo, por ejemplo el Visor de apuntar; las pantallas TFT, La pinzas para Hide-car, etc. Pero de estos no nos vamos a extender, simplemente mencionarlos.
Pues entremos en el mundo del adaptador, y en él nos encontraremos dificultades que la inteligencia o la intuición en la mayoría de las veces, han dado con la solución perfecta, y en otras la casualidad, como la que alguien tuvo al poner la cámara delante del telescopio.


Se pueden adaptar de dos formas :

La modalidad primario es típica de las cámaras réflex. Y es que a las cámaras compactas no se puede sacar el objetivo para poderles colocar un foto-adapter.

Como se puede ver en el esquema el adaptador se pondría entre el telescopio y el cuerpo de cámara.

El Photoadapter:

Sirve para acoplar el cuerpo de una cámara réflex al cuerpo del telescopio.

Muy luminosos.

Sin aumentos en la mayoría de los casos, excepto en el Kowa Photoadapter TSN –PZ que tiene

unos aumentos entre 15 y 25 x , gracias a su zoom de focales comprendidas entre 680 y 1000 mm.
Necesitaremos una arandela T2.
Cada telescopio fabrica el suyo.

La modalidad afocal es típica de las Cámaras compactas. Pero también es utilizado en las cámaras réflex.

Como podéis ver en el esquema, el adaptador se pondría entre el ocular del telescopio y el objetivo de la cámara.

Con el mismo principio se utiliza en las réflex, solo que la diferencia está en que a estas se les coloca un objetivo de 50mm de la máxima luminosidad. F:1,4 o F: 1,8.


Comencemos a estudiar la forma de adaptar la cámara, el telescopio, y el adaptador; de forma correcta en el modo afocal.Tendremos en cuenta las siguientes formas de adaptadores:


Adaptadores Artesanales

•A la hora de fabricar un adaptador casero tendremos en cuenta la colimación de las dos piezas fundamentales, el Objetivo y el Ocular con el propio adaptador.

•En segundo lugar, la rigidez del conjunto; cualquier movimiento u holgura del adaptador es sinónimo de fotografía mal hecha.

•La ligereza del adaptador, los materiales más indicados son el pvc o el aluminio.

•La distancia que hay entre la lente del Ocular y la lente del objetivo para evitar el viñeteo.

•Y por último tratar de aligerar el proceso de quitarlo y ponerlo para poder observar con el telescopio o utilizar la cámara por separado.

Consejo:

•Para hacer bien el digiscoping no escatimar recursos en un buen adaptador. Bien calibrado y rígido; vuestros futuros documentos os lo agradecerán y no lamentaréis haber perdido una buena ocasión fotográfica.

La Colimación :

La colimación es hacer que los círculos trazados por los diámetros del ocular, el adaptador y el objetivo siempre están con el mismo eje o centro y perfectamente concéntricos.

Una colimación errónea, nos produciría un falso viñeteo producido por la visualización de partes de una u otra pieza no deseadas.

Además de provocar un mal enfoque.

- Un adaptador tiene piezas que presentan diferentes planos entre sí.

- El ocular y el objetivo, suelen venir de fábrica con esos planos perfectamente rectos. Lo mismo sucede con los adaptadores de Marca.

- El adaptador “Casero” deberemos tener en cuenta que esos planos de contacto sean totalmente rectos y encajen con los de las otras piezas con extrema precisión; sin holguras, ni inclinaciones defectuosas.

- Deberemos de tener en cuenta los planos horizontal y vertical del ocular y del objetivo, que entre ellos forman un ángulo de 90 º

El plano de derivación lateral, nos marcará que el adaptador encaje perfectamente con el eje central que usamos para la colimación, manteniendo el mismo plano para todas las piezas.

El plano de inclinación vertical, nos marcará que el adaptador encaje perfectamente con el eje central que usamos para la colimación, manteniendo el mismo plano para todas las piezas.

-Todos los planos están presentados paralelamente, sin planos inclinados, ni desviación sobre los ejes centrales.

- La derivación horizontal central y la derivación vertical nos marcarán siempre el resto de planos del adaptador.

Cualquier inclinación en los planos presentados entre sí, con desviación de su ángulo produce mal enfoque y un Viñeteo no deseado.

-Un adaptador, además de lo expuesto anteriormente, debe permitir poder marcar una distancia entre el ocular y el objetivo que es la óptima para reducir el viñeteo.

-El tope para marcar esta distancia debe tener el mismo plano que el resto de planos e idéntica colimación.

-Esta distancia suele venir marcada por el eye relieve del ocular.

Adaptadores de Marca:

Cada marca de telescopio fabrica sus propios adaptadores.

En la actualidad (no fue así al principio), estos ya están colimados y ajustados para un modelo en concreto de cámara.

Aunque no está de más, revisar la colimación una vez montado (a veces las fabricaciones en serie, traen pequeños defectos que sí influyen a la hora de realizar una buena toma en digiscoping, por muy pequeños que estos sean.).

Estos adaptadores suelen ser (generalmente) más caros que los fabricados artesanalmente, y no están hechos a la medida sino en serie.

Adaptadores Universales:

Son adaptadores de fábrica, estándar, para utilizar con cualquier marca de cámara compacta.

Su diseño facilita el montaje en modo afocal.

Siempre tendremos en cuenta lo siguiente :

1.Los ajustes de la tornillería no siempre dan un apriete correcto, pueden presentar holguras.

2.Las piezas que llevan una vez encajadas pueden presentar movimientos innecesarios y problemáticos.

3.La distancia entre ocular y objetivo siempre estarán abiertas (expuestas a la luz incidente), y tendremos que cubrir las piezas de unión con algún inventillo si es necesario.

4.Todo lo anterior viene dado por la diferencia de tamaño de cámaras y objetivos de las compactas.

Las Pletinas:



Las pletinas impiden que las fuerzas del peso de cada elemento, rompan o produzcan movimientos innecesarios en el momento del disparo o el transporte.
La pieza de adaptación debe buscar que todo el conjunto quede totalmente rígido y estabilizado.

Las hay de marca específica o las puedes fabricar artesanalmente.


Veamos las Fuerzas que actúan sobre el equipo :

1. El peso del telescopio

2. El peso de la cámara

Las fuerzas actuantes lo hacen sobre las partes de unión del ocular y el objetivo. Corriendo el peligro de que se rompan por las uniones al telescopio y la cámara respectivamente.

Colocando una pletina, que una el conjunto, oponemos una fuerza resistente contra las que hemos visto anteriormente. Y al mismo tiempo estabilizamos el equipo horizontalmente.

El adaptador del Cable de Disparo:


Los cables disparadores clásicos tienen una pieza en su extremo final con rosca

La pieza de adaptación debe buscar que la punta del disparador incida verticalmente a 90º con el botón de disparo de la cámara

Debe resistir y no vencerse con la fuerza del pulsar el cable contra el botón de disparo.

Lo más simple posible

En caso de tener un mecanismo de disparo a distancia (electrónico), !usarlo ¡ (buscar un sistema para disparos en ráfagas, algunos no permiten esta modalidad.)

Tener en cuenta a la hora de efectuar la fuerza de pulsar, la resistencia.

Que no moleste para poder enfocar.

Que no impida quitar el adaptador para usar la cámara o el telescopio independientemente.

¿Donde los podemos conseguir?

Existen comercios donde se pueden conseguir los modelos de las marcas de los telescopios.

Los anillos T ring 2 además de los anteriores, en tiendas de fotografía especializada.

En los sitios web especializados en Digiscoping, suelen tener una tienda para facilitar el contacto y compra.

Un tornero, dándole las explicaciones y llevándole el equipo para tomar medidas.


Nosotros mismos apañándonos materiales y ajustándolos con el sistema prueba error.

Y como recomendación final, os diré :

No escatimar recursos en el adaptador.
Buscar la perfección de sus medidas y fabricación.
!Ojo con los planos!
Siempre simplificar las piezas buscando menor peso mayor resistencia.




Las diferencias que podemos observar en los métodos de adaptación son :

Con el método primario:

Ganamos luz y nitidez
Excelente opción para vuelos
Ideal para hides y cortas distancias
Menos coste y mayor rigidez.
Menos peso, que aumenta si le colocamos la pletina.


En el método afocal:

Ganamos aumentos
Excelente opción para aves posadas
Ideal para largas distancia
Mayor coste, necesita ocular, objetivo y adaptador específico.
Más peso, que se reduce en gran medida con las cámaras compactas.